Olea compagnie méditerranéenne

Les Contes de la Princesse Europe

Julien Schwartz — 2024-02-12T13:55:33Z

La Princesse Europe puise dans son grand livre de contes pour choisir des légendes venant de toute l'Europe

Présentation

Par une comédienne conteuse et un musicien à partir d'une sélection de contes et légendes célèbres des pays de l'Union Européenne.
La Princesse Europe connaît beaucoup d'histoires. À commencer par la sienne qui sera l'introduction du spectacle.
Selon une version du mythe, Europe, fille d'Agénor, roi de Tyr, une ville de Phénicie (actuel Liban) fit un rêve. Le jour même, Zeus la rencontra sur une plage de Sidon, se métamorphosant en taureau blanc.
Europe tomba follement amoureuse de Zeus qui l'emmena en Grèce sur son dos. De cet amour naquirent trois enfants : Minos, Rhadamanthe et Serpedon.
La Princesse Europe va puiser dans son grand livre de contes pour choisir des légendes venant de toute l'Europe.
Pendant chaque conte, un musicien accompagnera La Princesse Europe de quelques notes inspirées des musiques traditionnelles du pays d'où le conte est tiré. 4 Morceaux choisis parmi les 27 recensés :

LA PRINCESSE DE LA MONTAGNE DE VERRE – CONTE SUÉDOIS

Il n'y a rien de mal à être le plus jeune fils de trois frères… sauf si vous devez vous imposer tout le temps. Notre jeune héros, Es-pen, est l'un d'entre eux ! Il subit les méchancetés diverses de ses frères aînés, qui le méprisent pour être toujours assis dans des cendres. Faites bien attention, pourtant, car notre héros sans peur s'apprête à dompter un cheval magique et à se diriger directe-ment vers la montagne de verre. Il y trouvera bien plus qu'une princesse en danger…

LE PRINCE MARCASSIN – CONTE ITALIEN

L'habit ne fait pas le moine. Ou le conte de fée, ses personnages… Le roi et la reine d'Anglia le savent très bien… La reine, qui n'avait aucun enfant après sept ans, s'endormit un jour dans le jardin où trois fées apparurent. La première fée lui donna un fils et lui assura qu'aucun homme ne pourrait jamais lui nuire ; La seconde, que personne ne pour-
rait l'offenser, et que le fils aurait toute vertu ; La troisième, qu'elle serait sage, mais que le fils aurait l'apparence d'un cochon jusqu'à ce qu'il se soit marié trois fois.

LE GARÇON QUI VOULAIT PLUS DE FROMAGE – CONTE HOLLANDAIS

Quand un garçon éperdu de fromage prétendant que son estomac n'a pas de fond, rencontre des fées qui ne se fatiguent jamais de lui en apporter, tous les éléments sont là pour une histoire explosive ! Mon Dieu ! Kees van Bommel ne devrait pas être si gourmand… Mais il ne peut tout simplement pas s'empêcher de manger du fromage – il les aime tous : les boules rouges d'Edam, les sphères jaune de Gouda et les gris de Leyden. Que se passera-t-il lorsque son estomac n'en pourra plus ?

LE FAUX PRINCE ET LE VRAI – CONTE PORTUGUAIS

Un roi apprend que son fils et un chevalier se sont disputés au cour d'une partie de tennis. Le prince n'aurait pas répliqué à l'attaque du chevalier, mais se serait isolé pour pleurer. Déçu de la lâcheté du prince, le roi ordonne néanmoins au chevalier de comparaître devant un tribunal pour avoir attaqué l'héritier du trône. Il décide par compassion de lui laisser quatorze jours pour vagabonder à sa guise, mais sous bonne garde, à travers la ville… Le Faux Prince et le Vrai raconte l'histoire mystérieuse de deux Princes – l'un par naissance et l'autre par mariage…

La mort heureuse

Julien Schwartz — 2024-02-12T13:54:06Z

« Une histoire de crime qui se transforme en solution pour accéder au bonheur m'a toujours profondément troublé et intrigué. »
Richard Sammel

Résumé

Patrice Mersault, employé pauvre, fait la connaissance d'un riche infirme, Zagreus, que lui présente Marthe, leur maîtresse commune. Mersault tue Zagreus dans des circonstances qui l'assurent de l'impunité et s'empare de sa fortune. Il part en voyage, visite Prague et revient à Alger par Gênes. Là il vit heureux en compagnie de trois femmes dans « La Maison devant le monde ».
Il épouse une autre jeune femme, Lucienne, mais la renvoie bientôt. Il va s'installer seul dans le Chenoua, en pleine montagne, à quelques kilomètres des ruines romaines de Tipasa, dans une maison face à la mer. Il y tombe malade et meurt heureux dans une communion extatique avec la nature.

L'œuvre : Un roman comme une pièce de guerre

Remarquablement écrit pour un premier roman, La Mort Heureuse associe des passages purement imaginaires à d'autres où se mêlent nombre d'instantanés tirés de l'expérience personnelle et intime d'Albert Camus, et c'est souvent ce trouble autobiographique, cette confession presque impudique, qui nous emportent par la charge de vérité qui s'y trouve.
Rarement dans l'œuvre de Camus on trouve trace d'une telle exposition “à découvert” des questions et des fièvres physiques comme morales de l'auteur du Premier Homme. Albert Camus abandonna le manuscrit de ce premier roman après l'avoir achevé au profit de L'Étranger. La Mort Heureuse fut publiée de manière posthume à l'initiative de sa veuve Francine Camus en 1971. Camus rédigea cette première tentative de roman entre 1936 et 1938 parallèlement à son travail sur Noces et L'Envers et l'endroit. La Mort Heureuse s'articule en deux parties intitulés “Mort naturelle” et “La mort consciente”. Chaque partie se compose de cinq chapitres. C'est une œuvre brève : à peine une centaine de pages.
La critique a coutume de considérer cette œuvre comme la matrice de L'Étranger, presque un brouillon. La découverte et la lecture attentive du texte permettent de lui rendre immédiatement justice et d'écarter cette fausse réputation d'échec.

Intention de mise en scène : Du théâtre comme une errance

Le défi de ce spectacle est de réussir à composer une errance comme on écrirait une symphonie pour le plateau. Quantités de lieux se succèdent, une cascade d'êtres sont croisés et pourtant il n'y aura qu'un seul corps à se tenir devant vous sur les planches. Pour cela j'avais besoin d'un acteur multiforme, souple aussi bien techniquement que poétiquement, un acrobate du récit capable de nous suggérer en un geste, en une inflexion de voix l'impression que vous laisse un espace ou un visage. C'est tout naturellement à Richard Sammel que j'ai pensé, pour le fréquenter depuis de longues années et nourrir le désir d'une rencontre artistique depuis tant de temps.

Stéphane Olivié-Bisson

« La Mort Heureuse » est dans ma tête depuis que je l'ai lu pour la première fois, ce récit m'obsède. Et qu'une histoire de crime qui se transforme en solution pour accéder au bonheur m'a toujours profondément troublé et intrigué. J'en ai trouvé la raison dans cette capacité d'Albert Camus à donner des réponses à des questions que je n'étais pas même capable de formuler et que je n'osais pas poser. Un jeu éblouissant de questions-réponses d'une splendeur et d'une cruauté qui va bien au- delà du destin de Mersault et nous projette directement au cœur du mystère de l'être au monde. Ici, l'essentiel se trouve aussi entre les lignes, tout ce qui est essentiel flotte dans l'air, est extrêmement présent par la grâce simple de cette écriture, perceptible par la beauté impressionnante du style. Mon défi est de rendre une partie de cette essence sur scène, même un aperçu, une petite idée de ce que les mots de Camus sont capables de produire quand on s'y abandonne.

Richard Sammel

Les Carnets

Julien Schwartz — 2024-02-12T13:54:02Z

« Au milieu de l'hiver j'ai découvert en moi un invincible été. »

Les Carnets qui embrassent pratiquement toute la durée de la vie d'Albert Camus furent écrits par l'auteur de L'Étranger de mai 1935 à décembre 1959, soit une poignée de jours avant le 4 janvier fatal de 1960 sur cette route de l'Yonne. Ils furent tous publiés de manière posthume entre 1962 et 1989, d'abord par Francine Camus, sa femme, puis par Catherine, sa fille. Des choses vues, des éclairs d'idées, ou simplement les traces de sa vie quotidienne en Algérie, à Paris sous l'occupation ou à la Libération, pendant la Guerre Froide, au cours de ses voyages en Italie, au Brésil, en Grèce, et surtout l'empreinte de sa pensée et de sa conscience en action. Celle d'un homme fragile et combatif, s'efforçant d'être heureux, amoureux de la beauté du monde.
Dans ces carnets, entre le journal de travail et le journal intime, nul détail croustillant, nul étalage exhibitionniste, simplement le combat acharné et désarmé d'un homme face à la machine inexorable des jours et du temps.

La Peste

Julien Schwartz — 2024-02-12T13:53:59Z

« Et pour dire simplement ce qu'on apprend au milieu des fléaux, qu'il y a dans les hommes plus de choses à admirer que de choses à mépriser. »
Albert Camus

Le Roman

La Peste est un roman d'Albert Camus publié en 1947 et ayant reçu le prix des Critiques la même année. Il appartient au cycle de la révolte rassemblant trois œuvres de Camus,
La Peste, L'Homme révolté et Les Justes qui ont permis en partie à son auteur de recevoir le prix Nobel de littérature en 1957.
Traduit dans une dizaine de langues, le roman est le troisième plus grand succès des Éditions Gallimard, après Le Petit Prince d'Antoine de Saint-Exupéry et L'Étranger d'Albert Camus

L'histoire

Dans les années 1940, une épidémie de peste s'abat sur la ville d'Oran. Le roman raconte sous forme de chronique la vie quotidienne des habitants.
Il découvre les réactions de chacun des personnages face aux souffrances et à la mort : certains fuient, d'autres restent pour lutter. À travers ce grand roman, Albert Camus rend hommage à ceux qui affrontent la vie avec modestie et honnêteté, et nous invite à réfléchir sur les valeurs de solidarité et d'engagement.

Le Projet

À l'origine…
À l'initative du Forum Méditerranée du Futur, La Peste devait être présentée en public à Marseille le 1er Décembre 2020.
Face à l'impossibilité de présenter ce travail sur scène, une captation a été réalisée pour l'occasion.
Réunissant plusieurs milliers de spectateurs en quelques heures, cette lecture a rencontré un immense succès au-delà des frontières.

Le film

LA PESTE / ALBERT CAMUS

Les Productions du Désert

Looking for duende

clement vieu , Julien Schwartz — 2024-01-25T11:18:33Z

Une immersion dans les entrailles du flamenco sur les pas de l'écrivain Federico Garcia Llorca...

Concept

Looking for Duende est une rencontre.
Oléa Compagnie Méditerranéenne & Laura Santamaria Bailaora.
Le théâtre et la danse.
La France et l'Espagne.
La Provence et l'Andalousie.
Au plateau, six artistes.
Deux danseurs, deux comédiens, un musicien et un chanteur réunis pour une expérience unique.

La Pièce

L'histoire d'un homme qui cherche une femme qui cherche le Duende.
Après une rupture amoureuse, un homme ère dans les rues de Séville à la recherche d'une femme. Danseuse, elle s'est enfuit en Andalousie pour trouver "le Duende".
Une immersion dans les entrailles du flamenco sur les pas de l'écrivain Federico Garcia Llorca.

Note d'intention

Looking for duende est un carrefour entre la danse, la musique et le théâtre. C'est aussi une rencontre stylistique entre différentes écritures et époques. Le passé et le présent. Lorca et son empreinte. Lui et nous. J'ai donc souhaité proposer deux formes de langage totalement différentes portées par les voix des deux acteurs sur scène. D'un coté, la poésie et la prose façonnée par Lorca et tournée vers le "beau". De l'autre, une langue plus quotidienne, a vif, n'excluant pas l'humour pour mener ce voyage imaginaire à la recherche du duende.
Ici, le candide est un homme de son époque qui pénètre prudemment dans un monde inconnu : celui de l'art flamenco. Dans le texte, la modernité se manifeste aussi, par l'utilisation des outils numériques de notre époque ( IA, téléphone, sites internet, rating ) qui sont aussi les partenaires de ce voyageur égaré.
La notion de Duende et d'art à proprement parlé, est, a mon sens, le plus évident contre pouvoir face à l'omniprésence de la technologie. Ici, pourtant, l'Intelligence n'a pas de réponse à la question du Duende. Elle est inutile. Le duende n'est pas logique, sa manifestation n'est pas sur commande.
Il est le fruit d'un phénomène abstrait que nous tentons d'approcher dans ce projet : par la voix, la musique et la danse.
C'est donc autour d'un rêve "de présent" qui s'est construit ce Looking for Duende.
Clément Vieu

LOOKING FOR DUENDE - TEASER

Olea Compagnie Méditerranéenne

L'Amant

Julien Schwartz — 2022-09-01T07:58:08Z

« Ton amant vient aujourd'hui ? »

La pièce

L'Amant (The Lover) est une pièce de théâtre en un acte du dramaturge et prix nobel de littérature britannique Harold Pinter écrite en 1962.
La pièce est créée à l'Arts Theater de Londres le 18 Septembre 1963.
Claude Régy créa la pièce en France, au théâtre Hébertot, le 27 septembre 1965 avec Delphine Seyrig, Jean Rochefort et Bernard Fresson.

Richard et Sarah sont un couple heureux. Le matin, Richard part travailler et quitte Sarah, en lui posant cette question « ton amant vient aujourd'hui ? »
Et chaque aprèsmidi, Sarah reçoit son amant.
Cet amant qu'elle accueille dans leur maison, c'est son mari, sans cravate.
« L'amant », l'histoire d'un vaudeville qui n'aura pas lieu.

L'Auteur

Harold Pinter (né le 10 octobre 1930 et mort le 24 décembre 2008 à Londres) est un écrivain, dramaturge et metteur en scène britannique. Il a écrit pour le théâtre, la radio, la télévision et pour le cinéma. Il a reçu le prix Nobel de littérature en 2005.
Les créations de Pinter sont appréciées pour leurs recherches stylistiques, leur mélange de bouffonnerie et de noirceur et leur précision presque maladive. Elles renvoient généralement le théâtre à sa base élémentaire avec des dialogues qui basculent de manière inattendue et des pièces closes où les êtres sont livrés les uns aux autres. Le masque des convenances sociales tombe. La vacuité de la société bourgeoise est vite notifiée. Les personnages, fondamentalement imprévisibles, révèlent sans spectaculaire une faille ou une étrangeté dans leur identité, due à leur passé insaisissable qu'ils tentent vainement de reconstituer à travers des récits flous et contradictoires.
Les conversations les plus banales se révèlent être l'espace privilégié de stratégies de domination physique, psychologique et sexuelle. Des rapports de forces brutaux resurgissent dans le glissement progressif des répliques. Les dialogues de Pinter mélangent un certain naturel d'expression (courtes répliques, formules simples, notations grivoises, utilisation de l'argot) à un dérapage verbal à la limite de l'onirisme, empli de saturations et de répétitions (monologues, suspensions, coupes, ellipses, silences). L'idée de communication est ainsi mise à mal dans un univers où le faux et le véridique se côtoient.
Il meurt le 24 décembre 2008 à l'hôpital de Hammersmith en Londres des suites de son cancer.

La mise en scène

Même s'il a émergé comme auteur dramatique à la fin des années 50, juste après Osborne et Wesker, le souffle des libertés qu'il prend impressionne le lecteur d'aujourd'hui, habitué à tolérer l'asphyxie d'ordre moral dans laquelle nous évoluons.
Car « L'Amant » est d'abord et surtout une comédie du langage.
Dans ce théâtre les mots sont des armes que les personnages utilisent pour se déstabiliser ou se détruire l' un l'autre et, défensivement, pour dissimuler leurs sentiments les plus profonds. Il ne s'agit pas d'une énième variation sur le thème du trio amoureux mais bien plus de sexualité, de pouvoir et de ce que l'ont aime à considérer comme normal ou pas normal.
Car dans ce foyer si commun, dans ce couple si banal en apparence, règne, comme à l'extérieur, une peur et une crainte profonde, s'y déroule une vie d'intimidation, s'y développe une censure omniprésente ainsi qu'une autocensure insidieuse. Et le rire surgit soudain du désarroi le plus achevé, comme chez Dickens, grande admiration de Pinter.
On se penche ici comme des entomologistes sur « l'anglicitude » comme expérience de l'aliénation, et sur l'effondrement de l'identité personnelle du fait qu'elle ne se constitue qu'en fonction de l'Autre. C'est ainsi une critique ultraviolente du langage et de la représentation sociale qu'on se fait de soi-même à travers lui.
Une expression londonienne parfaitement cockney « Taking the piss » signifie persifler, se moquer des autres avec un respect apparent de sorte qu'ils ne s'aperçoivent de rien. Cela caractérise de la plus exacte et la plus cruelle des manières le véhicule qu'empruntent quotidiennement Richard et Sarah, les deux protagonistes du couple de « L'Amant ».
En l'absence d'explication de l'auteur les interprétations des critiques, des metteurs en scènes, des comédiens, des universitaires ont peu à peu largement recouvert ce répertoire de leur lourde nappe. Mais malgré cela, pour la plupart des pièces de Pinter, les réactions du public restent toujours très fortes tant les émotions ressenties profondément par les personnages sont retenues, masquées, étouffées et résonnent d'autant.

Le Cimetière des voitures

Julien Schwartz — 2022-08-29T14:10:52Z

Comme je ne conçois pas l'amour sans violence, plus il y a de tendresse dans mon théâtre, plus il y a de violence, par contraste. Fernando ARRABAL

La Pièce

Le Cimetière des Voitures de Fernando Arrabal est une dystopie où les chambres d'un étrange hôtel seraient remplacées par des carcasses de voitures rouillées. Dans cette arène, les personnages endossent des rôles complexes, incarnant tour à tour les serviteurs, les puissants, les servis, les soumis et les artistes.

Au cœur d'une société où les femmes auraient presque totalement disparu et où la musique est bannie, une poignée d'individus tente de survivre au sein d'un cimetière de voitures. Chacun d'entre eux est constamment surveillé ou recherché par une mystérieuse milice, avec une attention toute particulière sur Émanou, un musicien qui organise des concerts clandestins contre l'ordre en place.

Initialement interdit et mis en scène pour la première fois en France en 1966, "Le Cimetière des Voitures" a finalement été présenté en espagnol en 1977, deux ans après la mort de Franco.
Cette œuvre atypique n'est pas simplement une pièce de théâtre conventionnelle, mais plutôt un terrain de jeu artistique, offrant au metteur en scène et aux acteurs une toile complexe où se mêlent visions, atmosphère et la promesse d'une théâtralité extrême.

L'Auteur

Dramaturge (plus de cent pièces de théâtre), cinéaste (Le Cimetière des
Voitures,1983), romancier, essayiste, peintre et poète, Fernando Arrabal arrive en France à vingt-trois ans et se lie à la faune artistique. Il appartient pendant trois années au groupe surréaliste d'André Breton, fréquente les Nouveaux Réalistes et Miró puis se lie d'amitié avec Salvador Dalí, Pier Paolo Pasolini, Luis Buñuel…En 1962, il crée le mouvement Panique avec Roland Topor et Alejandro Jodorowsky. Il est nommé Transcendant Satrape du Collège de Pataphysique en 1990, rejoignant Marcel Duchamp, Eugène Ionesco, Man Ray, Boris Vian…
Ses pièces de théâtre sont parmi les plus jouées au monde, elles sont mises en scène dans tous les pays et dans toutes les langues. En 2015, le plus grand théâtre de Madrid a été baptisé de son nom.

« Les personnages de mes pièces, c'est moi, tout ce que je ne fais pas. C'est un exorcisme, une libération.
Comme je ne conçois pas l'amour sans violence, plus il y a de tendresse dans mon théâtre, plus il y a de violence, par contraste.
Mes thèmes ? Dieu, l'amour, les choses magiques, fantastiques, le bonheur, la souffrance.
J'écris tout ce qui me passe par la tête, presque en état second. J'écris pour moi, comme pour me droguer. Si le public aime, tant mieux, sinon, tant pis. C'est un jeu, une exaltation. Mais je commence à me dire que c'est peut-être grave ».

Fernando Arrabal

Le mot de l'auteur à l'issue de la représentation

« …ayer estuve muy conmovido y muy emocionado en un teatro parisiense por el asombroso estreno de mi ‘Cementerio de coches' que había admirado - desde hace 55 años - dirigido por los más grandes directores en los lugares más soberbios del planeta »

« hier j'ai été très ému et très bouleversé dans un théâtre parisien par la surprenante première de mon Cimetière des voitures que j'avais admi-ré - pendant 55 ans - dirigé par les grands metteurs en scène dans des endroits inouïs de la planète… »

Bar

Julien Schwartz — 2022-07-13T08:04:17Z

Dans l'arrière salle d'un bar en Sicile, Nino et Petru tirent des plans sur la comète.
Une comète qui ne va jamais très loin.

La pièce

Nino est barman, Petru est consommateur. À eux deux ils refont le monde dans un petit bar. L'un rêve de bars à cocktail chics, l'autre voudrait faire fortune en jouant aux cartes mais ils ne peuvent pas aller bien loin. Deux losers blottis dans le bar où ils ont échoué.

Spiro Scimone nous livre dans Bar sa vision de l'échec. L'échec de deux hommes et l'échec d'une partie de la société italienne. Il nous sert par des silences absurdes et des questions répétitives, le comique et la détresse de la vie de Nino et Petru. À l'image du Monte-plats d'Harold Pinter ou d'En attendant Godot de Samuel Beckett, les deux personnages de Bar attendent.

Mise en scène

Nino et Petru sont guidés par la même volonté de changer le monde. D'éliminer ceux qui font tort à la société. Le désir de quitter la misère, la crasse et l'ennui. Le temps de la pièce est consacré à cet effort. Celui d'éliminer la cause de leur situation : Gianni, un petit truand dont ils sont tantôt les complices, tantôt les victimes.

Au-delà de cet aspect subliminal de l'Italie des années de plombs, nous avons voulu reconstituer l'essence et l'ambiance de cette Italie-là. Les costumes relativement serrés, des accessoires chinés dans des brocantes en Italie et une véritable recherche musicale autour de cette génération d'artistes italiens qui a tenté d'attraper le wagon du disco.

De ce mélange entre une esthétique forte et deux personnages bancals, naît l'envie d'une comédie sur l'amitié et les rapports humains.

Bar de Spiro Scimone · Teaser

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